Жанр Изобразительное искусство (страница 25)
600-летию со дня рождения Пьеро делла Франческа посвящается.
Книга петербургского архитектора и художника Елизаветы Васениной-Прохоровой «Пьеро делла Франческа. От тайны к истокам» посвящена малоизученному в истории искусства вопросу влияния геометрии на композицию картин Раннего Возрождения, в частности проблеме «золотого сечения» – действительно ли художники Ренессанса строили свои картины по этому правилу и кто стоял у истоков законов красоты, которые применяются и в наши дни.
В формате PDF A4 сохранен издательский макет.
Книга выделяется тем, что в ней даны только рисовальные практики арт-терапии. Автор делает акцент, что умение рисовать совершенно не требуется, а выбор техник и материалов позволит подобрать ключ к себе и даже изменить жизнь через творчество и в удовольствие.
Книга содержит более 40 апробированных уникальных практик рисования и арт-коучинга на самые разные темы, которые помогут изменить жизнь. Отдельно выделены практики антистресса, что является актуальным в наше время переизбытка информации и очень насыщенной жизни.
Книга написана простым языком и доступна широкому кругу читателей от 16 лет и старше.
Издание посвящено российскому аутсайдерскому искусству. Термин «аутсайдерское искусство» появился в 1972 году в одноименной книге Роджера Кардинала. Это понятие служит некоторым англоязычным эквивалентом ар брюта – «грубого», «сырого» искусства, «изобретенного», легитимированного французским художником и коллекционером Жаном Дюбюффе. Художники аутсайдерского искусства и ар брюта невосприимчивы к культурному влиянию, их искусство находится в антикультурной позиции. Аутсайдерское искусство игнорирует традиции и академические критерии, вместо этого оно отражает сильный внутренний творческий импульс, свободный от конвенций арт-мира, к которым мы привыкли. В последние десятилетия в исследованиях и музейной практике понятие аутсайдерского искусства смыкается с феноменами визионерского, наивного, или самодеятельного искусства.
Художники-аутсайдеры – это люди с биографиями, отклоняющимися от принятых норм: эксцентрики, нонконформисты, отшельники и изолянты. Специфичность биографии и образа жизни художников-аутсайдеров может стать почвой для образности их искусства. Языки и смыслы творчества художников-аутсайдеров часто далеки не только от принятых художественных норм, но и от повседневного опыта обычного человека.
В книге рассказывается об истории аутсайдерского искусства в Советском Союзе и России, а также выявляются тенденции российского аутсайдерского искусства. В качестве наиболее ярких и симптоматичных стратегий в книге проанализированы творческие истории нескольких художников-аутсайдеров: Владимира Зороастрова, Александра Лиханова, Ксении Беляевой, Валерия Щекалова, Александра Лобанова, Ивана Коретникова, Евгения Габричевского, Леонида Луговых. Книга содержит около 50 репродукций произведений из коллекций Музея органической культуры (Коломна), фонда «Новая коллекция», Центра городской культуры и Музея советского наива (Пермь), ряда частных собраний России.
В формате PDF A4 сохранен издательский макет.
Книги в изобразительном искусстве очень словоохотливы – им всегда есть что поведать внимательному и заинтересованному зрителю. Наука и религия, деньги и власть, секс и еда, сновидения и чудеса… Изображая книги, художники рассказывают о своей эпохе, обычаях, нравах. Сжимая тугую пружину Времени, образ Книги соединяет произведения мировой живописи в единый библиосюжет. И если долго смотреть на книгу – книга начинает всматриваться в тебя.
Юлия Щербинина – доктор педагогических наук, специалист по книговедению – исследует живопись с точки зрения не искусствоведческой, а литературной и культурологической.
В формате PDF A4 сохранен издательский дизайн.
Reduce, reuse, recycle. Сократить потребление, использовать повторно, перерабатывать. «Делать больше с меньшими затратами, чтобы свести к минимуму ущерб», – призывают экологи. Но, как утверждает эта книга, такой подход увековечивает модель производства с односторонним движением – «от колыбели до могилы». Эта модель датируется промышленной революцией и моментально превращает в отходы целых девяносто процентов материалов, созданных для изготовления товаров длительного пользования.
Почему бы не оспорить представление о том, что человеческая индустрия должна неизбежно наносить ущерб природе? Почему бы не взять за образец саму природу? Дерево производит тысячи цветов, чтобы создать еще одно дерево. Мы не считаем такое изобилие расточительным, наоборот, мы расцениваем это явление как безопасное, красивое и высокоэффективное. «Отходы – это пища», – первый принцип, изложенный в книге. Продукты могут быть приспособлены к тому, чтобы по истечении срока службы они обеспечивали питание для чего-то нового – как «биологические питательные вещества», которые безопасно возвращаются в окружающую среду, либо как «технические питательные вещества», которые остаются в замкнутом контуре технологических циклов.
Разрабатывая свои принципы (пере)проектирования всего – от ковровых покрытий до корпоративных кампусов, – Уильям МакДонах и Михаэль Браунгарт приводят жизнеспособные аргументы в пользу перемен.
Николай Николаевич Ге (1831–1894) – выдающийся русский художник, мастер портрета и исторической живописи. Автор книги предлагает нам свой взгляд на биографию этого неординарного художника, чье творческое наследие скрывает в себе некую мистическую тайну.
В формате PDF A4 сохранен издательский макет.
Что такое иллюстрация? Чем отличается хорошая иллюстрация от плохой? Насколько важен для иллюстратора сторителлинг и как развить собственный стиль? За что Харун ар-Рашид отрубил голову Джафару и почему Джеймс Бонд не носит розовый камзол? Должны ли мы быть благодарны Адаму и смеялся ли царь Соломон? Какова связь между палитрой старых мастеров и термоядерным синтезом? Почему профессия иллюстратора – лучшая профессия на свете? На все эти и на многие другие вопросы и ответит вам эта книга.
Переворот, произошедший в общественном сознании после Первой мировой войны, открывает новую культурную эру и одновременно завершает европейскую «прекрасную эпоху». Это время отмечено затуханием веры в прогресс, переориентацией внимания с познаваемости вещей на их существование и кризисом историзма как главного объяснительного принципа XIX века. Все перечисленные тенденции вместе с бурным развитием науки и новых визуальных медиумов – фотографии, кино, иллюстрированных газет и рекламы – и порождают условия для возникновения концепта «визуальной культуры». Перенос внимания с временно́й непрерывности конкретных «историй» на «пространственное», прерывное соотношение различных визуальных практик и их артефактов привел, с одной стороны, к ослаблению идеи автономии искусства, а с другой, к расцвету междисциплинарных методов его изучения. Центральной проблемой при такой смене акцента стала проблема визуальной топологии. Вместе с ней на авансцену выходят исследования разного рода «мест», «локусов», «дистанций», «перспектив», пространственных (оптических) иллюзий в произведениях искусства и других визуальных артефактах, а также интерес к местам пребывания и разнообразию видов материального воплощения визуальных образов. Новые исследовательские тренды, которые дают о себе знать уже в середине – конце 1920-х годов, порождают и новую ретро-перспективу – иными словами, формируют другое ви́дение собственной генеалогии. Это приводит к созданию оригинальной концепции рождения модерна (modernité) как исходной точки возникновения современной, т. е. характерной для послевоенной Европы, визуальной культуры. В настоящее издание вошли тексты Вальтера Беньямина, Зигфрида Кракауэра, Роберто Калассо, Розалинд Краусс и Джона Бёрджера, которые помогают раскрыть контекст формирования визуальной культуры XIX–XX веков.
Прошло уже очень много лет, после событий, рассматриваемых в этой книге. И, на первый взгляд, события того холодного февраля 1917-го года мало как могут соотноситься с нашей современной жизнью, ведь, например, я, родилась после развала СССР, а значит, совсем в другой стране. И царя не видела, даже издалека, и не видела его моя мама, и более того, даже моя бабушка (представляете, как это было давно?) Какое вообще нам, с нашими айфонами, ипотеками и походами в мега-моллы есть до этой революции дело? Частично ответ кроется в самом названии моей книги – «Homo revolution» – в переводе с латыни это означает «человек революционный». Если кратко – эта книга о том, как искусство создало Нового Человека. Или, если совсем кратко – о Человеке. Таком же как и мы с вами. С его трудностями, переломами в сознании и вере, в непременно ждущее его светлое будущее.
Известный британский художественный критик, прозаик и эссеист Джон Бёрджер (1926–2017) анализирует с художественной и историко-политической точек зрения творчество русского скульптора Эрнста Неизвестного (1925–2016), предстающее в этом эссе как оригинальное явление антисоветского и вместе с тем антикапиталистического модернизма.
Мэри Габриэль освещает эволюцию абстракционизма с 1920-х до начала 1960-х годов через призму биографии пяти звезд искусства: Ли Краснер, Элен де Кунинг, Грейс Хартиган, Джоан Митчелл и Хелен Франкенталер. Вторая мировая война, культурные и экономические потрясения, обмен идеями с художниками-беженцами из Европы – все влияло на умы и работы художников Нью-Йорка. И в центре этого вихря находились пять необыкновенных женщин и их выдающиеся картины.
На русском языке публикуется впервые.
Джорджо Вазари – художник, архитектор и писатель – был младшим современником таких выдающихся мастеров итальянского Возрождения, как Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тициан. Вазари-художника можно охарактеризовать как плодовитого и усердного, хоть и довольно посредственного маньериста – его живопись меркнет на ярком фоне итальянской культуры XVI века с ее плеядой великих мастеров и шедевров изобразительного искусства.
В лице же писателя Вазари предстает перед нами как мощная и самобытная фигура, как создатель первой в Европе истории искусств, мастер итальянской прозы, классик науки об искусстве и художественной критики. «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» служили, служат и всегда будут служить настольной книгой для всякого любителя и исследователя итальянского искусства эпохи Возрождения как замечательный исторический документ, являющийся не только богатейшей сокровищницей фактического материала, но и полноценным художественным произведением, воссоздающим яркую и живую картину культурной жизни Италии на протяжении двух столетий.
Собрание 178 биографий художников было окончено в 1550 году и издано в расширенном виде в 1568 году. В настоящее издание вошли биографии самых известных художников Возрождения, отобранные из всех трех частей «Жизнеописаний». Текст предваряет статья Александра Габричевского – советского историка и искусствоведа, работавшего над первым переводом труда Вазари на русский язык, который увидел свет в 1933 году.
Мой путь был непростым, но насыщенным: от менеджера корпорации, мечтающего научиться рисовать, до профессионального художника с двумя десятками выставок, в том числе в крупном центре современного искусства. Достигнув важной точки, я решила поделиться с начинающими художниками опытом. Книга полезна по трем причинам. Во-первых, она развеивает все страхи, преследующие художника. Во-вторых, она последовательно описывает алгоритмы продвижения творческого бренда. В-третьих, все, что описано в книге проверенно лично, от момента рождения мечты – быть художником, до продаж авторских работ и персональных выставочных проектов. На протяжении всего творческого пути мне помогали не только интуиция и целеустремленность, но и опыт маркетолога, который стал важным подспорьем в развитии моей карьеры художника. Уверена, эта книга станет для вас не только арт-менеджером и пиарщиком, но и вашим добрым другом и помощником в реализации заветной мечты, и построении последовательного пути к успеху.
Эта книга известного английского историка искусства посвящена искусству итальянского Возрождения. В не рассматриваются особенности творчества выдающихся художников этой эпохи: Боттичелли, Рафаэля, Мантенья, Джулио Романо, Пьомбо и др. Автор показывает тесную связь художников Ренессанса и неоплатонической философии, ограниченность иконологического метода в интерпретации ренессансного искусства, сводящего его к сакральным схемам, раскрывает искусство Возрождения как сложный синтез античной чувственности и христианской духовности, трансформацию античных образов в горниле неоплатонической мысли. Книга рассчитана на тех, кто интересуется искусством итальянского Возрождения и его гуманистической философией.
«Частные случаи» – это сборник эссе о значимых произведениях искусства, созданных за последнее столетие, и их авторах, которые подтолкнули Бориса Гройса к новым открытиям и интерпретациям. Книга инспирирована искусством, как практикой, изменяющей взгляд и мышление. Книга представляет собой исследование ключевых вопросов, связанных с развитием современного искусства: оригинальность, вторичность, ценность произведений искусства, язык власти, заключенный в них, и другое. Они «не поясняют» теорию искусства, а скорее, следуют импульсам, которые дают сами работы.