Почти сразу же после окончания картины, в 1629 году, Веласкес с согласия короля отправился в путешествие по Италии. Он осмотрел Геную, Рим, Неаполь и Венецию. Художник привез из этой поездки полотно «Кузница Вулкана» (1630, Прадо, Мадрид). Основой для данной работы послужил мифологический сюжет: бог огня Вулкан, находящийся в своей кузнице в окружении циклопов, узнает от Аполлона о том, что его жена, богиня любви Венера, не верна ему.

Несмотря на мифологическую основу, художник, как и в «Вакхе», изобразил не богов и фантастических чудовищ, а обычных людей: циклопы похожи на мужчин, не отличающихся особенной красотой. Один из них стоит спиной к зрителям, двое – боком, еще один – лицом, но далеко, в глубине помещения, поэтому разглядеть их лица нет возможности. Вероятно, эти «циклопы», как и обычные люди, имеют по два глаза.

Вулкан стоит у наковальни и одной рукой придерживает щипцами металлическую полоску, в другой держит молот. На его лице можно прочитать гнев и неудовольствие от только что услышанного известия.

Фигуру Аполлона мастер поместил в левой части картины. Из всех остальных только он одеянием и всем обликом более всего действительно похож на бога. Однако над его головой виден нимб (его обычно изображали только над головами христианских святых).

Работа представляет большой интерес в композиционном плане: обычно мастера Возрождения изображали в левой части полотна идеальный пейзаж, который был виден через большое окно или проем в стене. Веласкес отступил от традиций и изобразил интерьер обычной кузницы, довольно точно выписав все ее элементы. Из-за этого картина кажется еще более реальной.

Совершая поездку по Италии, Веласкес по-новому взглянул на правила колорита. По всей видимости, на эту работу большое влияние оказало творчество венецианских живописцев: они использовали чистые и яркие, сочные тона. В «Кузнице Вулкана» тоже присутствуют яркие золотистые и розовые оттенки.

В 1631 году художник, полный новых впечатлений, вернулся в Мадрид и снова занялся обязанностями придворного живописца. В его работах этого периода заметны попытки изображать воздух и свет.

Он отказался от темных, мрачных тонов и резких линий, их заменили легкие, плавные очертания фигур, которые как бы окутывает воздушная светло-серебристая дымка. Все чаще мастер стал использовать коричнево-зеленоватые и голубовато-серые сочетания, а также выполнять в пределах одного цвета плавные переходы от одного тона к другому.

Большинство картин Веласкеса этого периода являлись портретами. За фигурой человека мастер изображал пейзаж, чаще всего – горы Кастилии и ясное небо с легкими, почти прозрачными облаками. Довольно часто он писал модели в охотничьих костюмах, верхом на лошади (в этом случае пейзажный фон был оправданным). Одной из наиболее удачных работ 1634–1636 годов является конный портрет маленького инфанта Бальтасара Карлоса (Прадо, Мадрид).

В 1635 году Веласкес закончил картину «Сдача Бреды» (Прадо, Мадрид), которую сегодня признают одной из лучших работ европейских живописцев исторического жанра. Кроме того, многие исследователи полагают, что именно ее следует считать первой настоящей исторической картиной.

Художник изобразил на ней событие десятилетней давности: падение голландского города-крепости Бреды. Это была значительная победа испанцев в войне с Нидерландами, в целом неудачной для Испании.

Взглянув на полотно, зритель как бы становится свидетелем самого торжественного момента взятия крепости: командующий гарнизона голландец Юстин Нассау передает ключи от городских ворот испанскому полководцу Спиноле, который в ответ оказывает милость побежденным солдатам, даруя им свободу.